キャンバスの上に、ぷっくりと盛り上がった一本の筆跡。近づいてのぞき込むと、その中には夕焼けや流れる雲を抱いた空が広がっている――。イタリア・ブレシア出身のアーティスト、Federica Cella（フェデリカ・チェッラ）。絵の具そのものを主役に据えた立体的なペインティングで、「時間」と「空」を描き続けている。
じつは彼女、2015年に歯学の学位を取得した元・歯科医の卵。科学的な厳密さを身につけたのち、より深い創造への衝動に導かれてアートの道へ進んだ。石膏、エポキシ樹脂、発泡ウレタン……素材と向き合い、試行錯誤を重ねてたどり着いた現在の作風とは。そして、彼女が空を見上げる理由とは。話を聞かせてもらった。
あなたの技法について、できるだけ自由に教えていただけますか？Could you tell us about your technique, as freely as you like?
私の技法は、ボリュームと立体感の探求に深く根ざしています。絵の具そのものが空間の中で物理的な存在感を放ち、見る人が思わず手を伸ばして触れたくなる――そんな作品にしたいんです。
目指しているのは、絵の具という画材そのものに実体と起伏を与えること。絵画を成り立たせている“道具”そのものを讃え、単なる手段から、作品の本当の主役へと変えていくことです。
My technique is deeply rooted in the exploration of volume and three-dimensionality. I want the paint to establish a physical presence in the space, subtly inviting the viewer to reach out and touch it.
My goal is to grant substance and relief to the painterly medium itself, celebrating the very tool that allows the painting to exist and transforming it from a mere means into the true protagonist of the artwork.
空はあなたにとって何を象徴していますか？What does the sky symbolize for you?
イタリア語には幸運なことに「tempo」という一語で、時間と天気の両方を表す言葉があります。私の探求は、まさにこの交差点で育まれています。
私が空を描くのは、移ろいゆく時間の一瞬や人生のかけら、そして誰もが抱く普遍的な感情をとらえるため。私にとって空はずっと「希望」の象徴でした。いちばん暗い時期、空を見上げることが、出口を見つける方法だったんです。空は純粋な可能性であり、記憶であり、そしてもうここにはいない大切な人たちが、今もそばにいてくれる証でもあります。
In Italian, we are fortunate to use a single word—“tempo”—to signify both chronological time and the weather. My research thrives precisely within this intersection.
I paint skyscapes to capture fleeting moments of time, fragments of life, and universal emotions. For me, the sky has always been a symbol of hope. In my darkest moments, looking up was my way of finding a way out. The sky represents pure possibility, memory, and the enduring presence of the loved ones who are no longer with us.
空は、純粋な可能性であり、記憶であり、希望。The sky represents pure possibility, memory, and hope.
あなたの作品には、筆跡の形の中から空が「現れる」ような感覚があります。筆跡と空、この二つを一枚の中で両立させるために、画材や工程でどんな工夫をしていますか？In your work, the sky seems to “emerge” from within the shape of the brushstroke. How do you balance the brushstroke and the sky within a single piece, in terms of materials and process?
筆跡の形と、その中に閉じ込められた空の空気感とのあいだには、親密で絶え間ない対話があります。あるときはしなやかに流れる曲線を、またあるときは本当に“裂け目”のように感じられる、鋭く途切れたストロークを使います。それはキャンバスの中に収まることもあれば、縁からはみ出していくこともあります。
根っこにあるのは、一枚の絵のすべてを、ひとつの筆跡の本質の中に閉じ込めるという考え方です。絵画は結局のところ、無数の小さな身振りの積み重ねでできています。だからこそ、たった一本の筆跡が絵画の最小単位――風景全体を抱く「原子」になるのです。
There is an intimate, ongoing dialogue between the shape of the brushstroke and the atmosphere of the sky contained within it. At times I employ sinuous, flowing shapes; at others, sharp, broken strokes that feel like literal tears, either contained within the canvas or spilling over its edges.
My core idea is to enclose the entire painting within the essence of the brushstroke itself. Since an artwork is ultimately built from countless individual gestures, a single brushstroke becomes the fundamental unit of the painting—the atom that holds the entire landscape.
一本の筆跡は、風景全体を抱く「原子」。A single brushstroke is the atom that holds the entire landscape.
今の作風にたどり着くまでに、どんな試行錯誤や転機がありましたか？What trial and error, or turning points, led you to your current style?
私の歩みを動かしてきたのは、いつも素材への好奇心でした。以前は、発泡ウレタンフォームのような型破りな素材を使ってボリュームを追い求めていた時期もあります。素材にはそれぞれ固有の性質と“声”があって、まったく違う物語を語らせてくれるんです。
私の制作は、試行錯誤と、何度もゼロからやり直すことの連続です。多くの場合、作品はまず頭の中にくっきりとしたアイデアのひらめきとして生まれ、それが画面の上での実際の行為へと変わっていきます。
My artistic path has always been driven by a curiosity for materials. In the past, I chased volume by experimenting with unconventional media, such as expanded polyurethane foam. Every material carries its own unique characteristics and voice, allowing me to tell entirely different stories.
My creative process is defined by trial, error, and continuous fresh starts. More often than not, a piece begins as a vivid conceptual spark in my mind before translating into physical action on the surface.
あなたの作品の前に立つ人に、どんな気持ちになってほしいですか？How do you hope people feel when they stand before your work?
自然の圧倒的な美しさと、もう一度つながってほしいと思っています。私にとって自然は究極のアートであり、最大のインスピレーションの源です。作品の前に立った人が、空気の息づかいや光のぬくもり、風の動きを、からだで感じられたらうれしい。
そして最終的には、私の絵が心のどこかの弦を鳴らして、それぞれが自分だけの記憶や、眠っていた感情をもう一度味わえたら。結局のところ、すべては「時間」に行き着くんです。私たちが持っている、いちばん尊くて、いちばん深い財産に。
I hope viewers can reconnect with the absolute beauty of nature, which I consider the ultimate form of art and my greatest source of inspiration. I want people standing before my work to physically feel the breath of the air, the warmth of the light, and the motion of the wind.
Ultimately, I hope my paintings strike an internal chord, allowing everyone to relive a personal memory or a dormant emotion. In the end, it all comes down to time—the most precious and profound asset we have.
イタリア語の「tempo」が時間と天気を同時に意味するように、Federica Cellaの筆跡の中では、過ぎていく時間と、その日の空がひとつに溶け合っている。触れたくなるほど厚みをもった絵の具は、見る人それぞれの記憶をそっと呼び起こす。
いちばん暗い日々に、空を見上げることで出口を見つけてきたという彼女。次にふと空を見上げるとき、その一瞬もまた、誰かの“ひと筆”になるのかもしれない。
Profile
Federica Cella（フェデリカ・チェッラ）
1990年、イタリア・ブレシア生まれ。2015年に歯学・歯科補綴学の学位を取得後、より深い創造への衝動に導かれアートの道へ。カスタムデザインからキャリアをスタートし、やがて石膏からエポキシ樹脂まで多様な素材を組み合わせたテクスチャー・ペインティングへと表現を広げる。人生の物語や経験を素材を通して形にする作品で、唯一無二の芸術言語を築いている。
Instagram: @theblondlasagna